最近藝術圈裡頻繁出現抄襲事件，我在浏覽國外網站的時候，時常能發現不少國内藝術作品與國外藝術家作品有相似之處，雖然現在國内的藝術在快速發展，但還是可以看到很多國内設計師的創作有抄襲之嫌。

随着很多作品被曝光抄襲，國内也開始有了版權意識，但抄襲問題由來已久，何況抄襲和借鑒一直都沒有一個清晰的界限，很多人打着借鑒的名義實際就是在抄襲他人的作品，那麼在藝術創作上應該如何去避免抄襲呢？

首先我們要分清楚什麼是借鑒，什麼是抄襲。有些時候，在藝術創作中“借鑒”與“抄襲”的界限非常模糊，借鑒不是照搬和複制，而是在吸收原創的視覺表現與形象的基礎上，加入自己豐富的想象和創造，重新去構建一個新的作品。

借鑒是一個人學習藝術的正常練習過程，如果我們要求一個作品任何一筆，形态以及色彩都是原創，這顯然是不可能的。有時候雖然借用了前人的表現形式，但是想要表達的意思則完全不同。

臨摹一直都是公認的傳統學習技法的一種，畢竟從不懂到懂的過程就是要不斷研習經典作品，這是學習的一個過程，所以很多人學習藝術都是先從繪畫開始，繪畫從臨摹經典開始。比如畢加索的立體主義風格就是從塞尚晚期的作品發展而來，他積極地學習大師的經驗，進而将它發揚光大，創造出自己獨特的立體主義風格。

塞尚作品

畢加索作品

其實在學習階段，如果作品中有與他人相似的創作，隻要不是什麼課程結課作業、畢業設計、參賽作品等，都會被視為還處于學習階段。向前人學習技法是可行的，但隻能作為個人練習。一旦作品進入市場引起關注并産生了商業效應，那麼抄襲這種行為就會被大衆指正出來。所以如果是模仿的作品一定内心要清楚，這就是一個仿品，一個原則上根本不應該上台面的試作品。

既然身為一個設計師，那就應該要有自己的原創作品。由于世界上現有的視覺資源與思想資源都是有限的，所以很難做到絕對的原創，大家都是在巨人的肩膀上獲得新的突破。以前隻要畫的像就可以随意地表達繪畫者的想法，但畫的像隻是一種藝術表達功力的體現，而我們在傳統的繪畫學習過程中缺少再創作。

在創作的初期，鑒于隻是習作還沒有對專業有很深的理解和體會，大家都會從模仿中練習技法，但是随着創作的深入發展和推進，後續創作的發展和原先的雛形差異将會越來越明顯。換句話說，模仿借鑒是要站在巨人的肩膀上去進行創作，你必須看到更深更遠更廣闊的世界。要讓大家清楚盡管有所借鑒，但你所呈現的作品依然是他們前所未見的東西，是一個帶有新生命的産物，它表達着是一個新的含義。

西方現代主義藝術家馬塞爾·杜尚就曾經表達過：“藝術家不是造物主，沒有辦法像上帝那樣從無到有、從零到一地創造東西。藝術家真正做的，隻是在大千世界中選取美的、有意思的、發人深省的東西，然後拼成自己的作品并借此表達自己的感受。”

每個人都有獨立的思想，即便看過相同的畫面，經曆過同樣的事情，但體驗依然是不一樣的，這就導緻相同的事物或精力在創作者的腦海裡視覺成像不一樣，所創作的作品也有所差異。

最後還是要說，借鑒是學習的一個途徑，但是學會了技法就應該結合自己的理解和思考将它運用到創作當中，如果隻是單純的技法抄襲沒有自己獨特的見解和觀念，這個作品隻能是一個沒有靈魂的軀殼。

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