“如何快速聽懂古典音樂，到底需不需要學習樂理？”

“如何判斷哪個版本的演奏水平更好？怎樣快速提升音樂鑒賞力？”

很多愛樂者在最初喜歡上音樂時，都喜歡在網絡上搜索一些“攻略”來幫助自己更好地入門，但殊不知，那些所謂的前人經驗，其實并不一定非常科學；當然，也有不少從小就在音樂陪伴下長大的朋友，同樣被一些根深蒂固的錯誤觀念影響至今。

今天，我們就來總結一下大家在聽音樂或學音樂時，經常陷入的六大誤區。

誤區一

學樂理是聽懂音樂的基礎

很多初學者最常陷入的誤區，便是過于看重樂理的重要性。

不少專業人士都會特别強調樂理的重要性，認為不學樂理是沒有辦法真正理解音樂的。這就導緻那些對音樂産生興趣的人在開始系統學習時，第一步就選擇了學習樂理，但對音樂的熱情也幾乎就止步于樂理了。

事實上，學樂理其實更多是創作者應該追求的事，而聽衆和音樂愛好者最需要提升的并不是創作能力而是鑒賞能力。

音樂自始至終，是一種聽覺的藝術。聽音樂，更依賴的是耳朵，是人類的感受力。

而人類對音樂、對情緒的感知力是與生俱來。這也是為什麼，很多從未接觸過樂理的小朋友會對音樂有強烈的反應；并不懂樂理的托爾斯泰聽完柴可夫斯基的演奏會淚流面滿。

音樂在誕生之初，就是給整個人類欣賞的，并不僅僅針對受過專業訓練的群體。

很多人執着于音樂中的樂理和專業性，卻忽略了音樂原本就是一種面向全人類的共同語言。

特别是在古典音樂圈，不少人認為隻有具備專業知識才能聽懂，将古典樂變成了小一部分人才能走進的圈子，這其實是一種“畫地為牢”，已然違背了音樂的本質，否認了古典音樂同樣是人類情感表達載體的事實。

誤區二

想象力是虛的，聽懂音樂靠技巧

說完感受力，我們再聊一下音樂中的想象力。

不少所謂的圈内人士，認為想象力是一個非常抽象的概念，抓不住摸不着，隻能随緣去感悟，沒有規律可言。在這些人的誤導下，很多人認為靠想象力聽懂音樂是不靠譜的，聽懂音樂要靠邏輯清晰地理性分析。

我們不否認，音樂藝術和其他任何一門學科一樣，背後有一套規律的知識體系以及完整的理論依據，這些能在很大程度上幫助大家理解音樂。

但并不能因此，就抹滅聽音樂過程中想象力的重要性。

任何音樂作品都是創作者的自我表達，它可能是用音樂語言描述一個場景一個人物或者描述音樂家的某種感受，我們通過音樂家的表達必然也會激發起相應的想象力去還原音樂家的表達。

沒錯，想象力不是憑空而來的，它是人們在聽音樂時，基于不同文化習慣、不同思維方式在腦海裡延伸出來的場景與畫面，所以想象力并非虛無缥缈、不可捉摸，反而是有迹可循的。

比如月光是确定的場景，那麼每個人想象的月光場景都會摻雜自己獨特的個人體驗但依然限定在月光這個景象；而作曲家在表達抽象感受時則會激發和調動聽衆各自不同的人生經驗，比如霍洛維茨在演奏《童年即景》時，想到的是自己小時候喝咖啡吃面包的場景，而你我聽到後，聯想到的或許是童年時和小夥伴一起吃辣條冰棍的畫面。

正是因為每個人對音樂有着不同的想象畫面，人類才能與音樂産生密切而深刻的情感聯結，音樂才會被視為如此寶貴的精神财富。

誤區三

喜歡流行樂就是音樂審美差！

音樂圈中的鄙視鍊由來已久，但比鄙視鍊誕生更早的，是音樂流派的劃分。

随着音樂品類越來越豐富，人們根據不同的風格将音樂劃分為各種各樣的流派，比如流行音樂、古典音樂、爵士樂、搖滾樂、說唱音樂等等。

這原本是幫助大家更好地認識音樂，彼此了解和互相交融，卻在一部分人狹隘的認知中，演變為彼此對抗和相互鄙視。

于是慢慢地，人們開始認為喜歡聽古典音樂的就是審美品位好，喜歡聽流行樂、口水歌就是審美品位差。

但我們強調過很多遍，音樂審美能力的好壞與個人的喜好從來都不是一回事。

個人喜好帶有強烈的主觀性，而音樂審美則有很大的客觀性。

音樂的好壞、音樂創作能力的高低，都是客觀存在，并且有客觀評價标準的。

某種程度上來說，音樂隻分好壞而不是各種風格的區别。音樂中旋律、和聲、節奏、音色四個維度的綜合運用是否恰當已經能夠幫助我們分辨它是不是好的音樂，以及判斷它是否有更好的表達方式。

因此喜歡流行樂并不代表一個人的品味就很LOW，喜歡古典樂也并不說明品味就一定高級。

那些所謂的“鄙視鍊”，隻是某些“圈地自萌”的人制造出來的音樂隔閡，早就應該被打破。

誤區四

學樂器就等于學音樂！

在不少人看來，學樂器就等于學習音樂，認為通過學習一種樂器，就能掌握應該了解的音樂知識。所以不少琴童從小就苦練技術，以為隻要打通了技術關，就順理成章成為了一名“音樂人”。

事實上，音樂所涵蓋的内容要遠比樂器學習要複雜深刻得多。

學音樂不僅僅停留在每天機械式的練習各式各樣的彈奏技巧，更多是代表着全方位的人格培養以及藝術文化品位的構建。

也就是說，需要在不斷學習中，全方位積累人文素養以及逐漸提升審美能力，這與單純學習一種樂器，完全是不同的層次。

所以，我們總是強調，要帶着更宏觀的認知去學習樂器，不能僅僅局限于技術的練習，隻追求彈出樂譜上的音符，而是要帶着耳朵去聽去感悟，并在足夠的情感、經曆中去演奏、去表達，彈奏出真正屬于自己的聲音。

誤區五

“好聽”的音樂就是好音樂

如果讓大家說出幾個“好音樂”的标準，或許很多人都會将“好聽”列為其中的一項：好音樂聽起來要舒服、悅耳，這難道不是最基本的嗎？

但要知道，很多偉大的音樂在誕生之初，都曾因為“難聽刺耳”、“不和諧”而備受争議，比如斯特拉文斯基的《春之祭》、薩蒂的《遊行》等等。

所以，“好聽”從來不是鑒賞音樂好壞的标準。

音樂的意義，從來都不是追求旋律的優美、節奏的悅耳，而是在創作、演奏或聆聽中，真正表達和展現出豐富多樣的情緒。

那些聽起來很“舒服”的音樂，通常是正好停留在自己的舒适區，耳朵聽起來很習慣，但并一定對内心有所刺激與觸動。

音樂是一門可以自我表達的藝術，正如文學、電影中可以表達多種多樣的情緒和美感，音樂也不可能隻追求優美、悅耳的聲音，它有着更開闊、更豐富的情緒表達空間。

它可以是恐怖電影裡的緊張與刺耳；也可以是太空電影裡的空靈與詭谲——它們單聽起來并沒有特别好聽，但正是這樣的作品，是在真正的用音樂表達情緒，是真正有生命力的音樂。

誤區六

頂級的演奏必須完美無瑕

如何鑒别一場演奏的好壞？在很多人的認識中，沒有失誤、沒有錯音是最重要的。這也導緻很多家長在孩子學琴的階段，對練習中的錯音非常敏感。

但是，失誤和錯音真的有那麼可怕嗎？

我們之前曾提到過，貝多芬作為老師在教自己的學生們時，對錯音的問題并不是特别在乎，他更在意的是學生們在聲音強弱上的控制、音樂色彩與表情等方面的問題。

因為在大師看來：前者隻是偶發性的、技術上的失誤，隻要用心很容易就能改過來；但後者是對音樂的認識、理解等感性方面存在的方向性錯誤，很多時候，這樣的錯誤并不會像錯音那樣容易被聽出來，但是對音樂表達的影響卻是緻命的。

那些明顯聽得到的錯音并不是影響一場演奏好與不好的關鍵，真正決定音樂現場好壞的，是演奏者本身是否能展現出獨屬于自己的風格與情感表達。

正如幾個錯别字的出現不會影響一篇優秀文章被評為高分作文，而一篇流水賬作品即便全篇沒有一個錯字，也毫無價值。

所以，何必那麼在意幾個錯音呢？很多人音符都彈對了，音樂卻彈錯了。努力去成為那個能彈對音樂的人就好。

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除了以上六大誤區，相信大家在聽音樂或學音樂的過程中還接觸到過很多已知或未知的錯誤觀念，這些都成為了我們在音樂成長路上的阻礙。

而這一次，Yusi将面對面與大家交流，一一戳破那些長時間來在音樂學習中迷惑我們的錯誤觀念！幫助大家走出誤區，真正認識和理解音樂，快速找到聽音樂與學音樂的科學方法。

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