作者：老談，來源：唐詩宋詞古詩詞(ID:tsgsc8)

但凡您關注點國學，偶爾看看電影，多少會知道，最近有一部出圈的爆款作品，《白蛇傳·情》。

爆款的産生，帶着些許偶然，某種程度上，也是一種必然。

《白蛇傳·情》即遵循這一規律，它首日票房并不理想，随着口碑炸裂，一口氣火爆到出圈。

它的宣傳标語是：“首部4K粵劇電影”。

一般而言，宣傳詞中主語之前的修飾愈多，尤其是打着“首部什麼什麼”，無一例外，幾乎都是爛片。

可是，《白蛇傳·情》就是那個，萬裡挑一的例外。

因為，它的宣傳标語，并不是修飾形容，而是實打實的陳述句式。

唱戲之人，本本分分，從來不打诳語；唱戲之人，錦心繡口，善于将各種思緒mix在一起。

從粵劇，到粵劇電影，再到4k特效粵劇大電影，皆遵循這一思路：

既要本分，又需飛揚。

各行其是

最“本分”的戲曲是何種模樣？

衆所周知，“虛拟”是戲曲藝術中運用最多、最能超越限制的藝術手法，也是戲曲舞台的最大魅力所在，有一副戲台對聯是如此說的：

頃刻間千秋事業，方寸地萬裡山河；

三五步行遍天下，六七人百萬雄兵。

一張桌子，兩把椅子，三尺舞台，聚百十雙目光，演萬千個故事。

另一方面，戲曲演員在戲台上的表演，要求又極為嚴苛。 正所謂：

一悲一喜一抖袖，一跪一拜一叩首。

一颦一笑一回眸，一生一世一瞬休。

《霸王别姬》中，袁四爺問段小樓：“從霸王回營到與虞姬相見，按老規矩是走七步，而你隻走了五步，為何？”

少走這兩步，便是心焦，便是威而不重，霸王便不再是霸王。

這就是戲曲的執拗。

與之作對比，電影的拍攝，以寫實為主。你要花花草草，我便布置小橋流水；你要金碧輝煌，我便搭建亭台樓閣。

而電影演員的表演方式，雖然也有章程，但不至于死闆。看電影的觀衆，也許會評價演員的演技，絕對不會無聊到，計算他們走了幾步。

戲曲和電影，差了兩個字，隔着萬重山。

具體到粵劇。這種藝術形式起源于明清時期，最早的粵劇藝人，深入在農村，來往于鄉鎮，以紅船為運輸工具，故被稱作“紅船班”。

随着城市中心戲院、天台的陸續增多，一些較大的粵劇戲班不再走鄉，他們聚集在廣州等大城市演出，史稱“省港班”。

粵劇裡有百态人生，表達市井的聲音。

最早的電影，傳入至廣州時，則沒有聲音。

這種默劇的表演形式，又被稱作“奇巧洋畫”，形式雖然新穎，卻都是斷幅零篇、無頭無尾，觀一個“奇”字則可，看一場故事不能。

從接受程度，到受衆群體，電影在粵劇面前，都算是小弟。

融會貫通

然而，彼時的粵劇，燦爛中潛伏着洶湧，平靜裡暗藏着殺機。

首先，廣州地處沿海，觀衆更喜歡時髦、新鮮的内容。電影的機會很大，粵劇若然不變，就意味着淘汰。

其次，随着戲院商業化的不斷演進，資本家操縱下的戲班，攫取大多數利潤，名角兒也拿着高昂的薪酬。

譬如，據《三十年代粵劇盛衰記》載，“1930年代，名伶薛覺先，年薪按6萬元計算。”

與之形成鮮明對比，戲院的利潤卻非常微薄，他們是繁榮市場下的陪跑者、旁觀者。

電影于戲院而言，可能是更好的選擇。

最後，曆史潮流，浩浩蕩蕩，順之者昌，逆之者亡。

電影低眉順目，它卻走上坡路；粵劇昂首挺胸，其實在走下坡路。

所以，按照如此趨勢，粵劇是要沒落了麼？

并沒有。

粵劇發展至今，依舊沒有消亡，是它順應時代，随時改變自我的結果。

“創新”是個老生常談的問題，清朝詩人趙翼曾有詩曰：

滿眼生機轉化鈞，天工人巧日争新。

預支五百年新意，到了千年又覺陳。

預支了五百年的創意，又當如何。到了千年的時候，一樣是陳詞濫調。趙翼議論的是詩詞，戲曲又何嘗不是如此。

更不用說，粵劇的危機就在眼前，世事變化如此之快，哪還有五百年的新意，供他們消費。

彼時的藝人，于伴奏樂器上擴充，于唱腔風格上推陳，于藝術流派上出新。

按照當時報紙記載，粵劇梨園弟子，“乃變更演劇方法，取消往日之正本出頭，另編配景新劇，集中全班人才日夕隻演一出，名曰配景新劇。”

更狠的是，他們還“不恥下問”，專門向電影行業學習。

譬如，粵劇一改之前舞台空曠、簡潔風格，率先使用舞台布景等方式；不斷豐富演員服飾與道具；舞台語言也由官話改作方言，降低受衆門檻。

在我們的固有印象裡，咿咿呀呀的戲劇，本身就代表着陳舊。但上世紀的名伶，卻一次次走在時代的前沿。

今時今日，演員穿着比基尼唱京戲，我們猶然覺得是糟蹋國粹。但1928年的戲曲演員，早就這麼幹了。

二十年代的粵劇團體，還将舞台燈光，從傳統彩燈改作拍電影中才用的“宇宙燈”。

這麼說吧，清一色的美式裝備。

他們甚至将燈泡裝置在桌椅，以及演員的服裝之上。

早期的粵劇和電影之交流，僅限于此。演員之間，則呈現出分庭抗禮的姿态。

粵劇名伶尤其讨厭電影。

他們認為，影片是提前制作好的，表演過程中，台下觀衆不能叫好，缺乏互動，這有什麼看頭？

更加實際的是，電影一次制作，可以無數次播放，直接影響到演員的身價。

渾然一體

曆史經驗告訴人們，大勢所趨之下，螳臂當車卻擋不住時代的潮流。

電影用日新月異的變化告訴戲劇，大人，時代變了。

其實，早在1913年，第一部粵劇電影就已經誕生，其名曰《莊子戲妻》。該片還是香港出産的第一部默片和故事短片。

沒錯，1913年的電影，還是沒有聲音的。

早期的觀衆，将欣賞戲曲稱作“聽大戲”，而非“看大戲”。沒有聲音，你讓人家欣賞什麼？

而且，電影中的演員，并非科班出身，他們的身段步法、表演技巧，與真正的名角相比，還差了點意思。

換言之，哪怕降低标準，從“看大戲”的角度欣賞，這個影片依舊不及格。

好在電影技術在不斷發展，聲音終于能表現出來。于是，電影漸漸成為新的潮流。粵劇名伶窮盡畢生之力，也無法改變這股潮流。

可想而知，彼時的藝術家，是何等躊躇苦悶，他們已然作出改變，所有的改變，在潮流面前，又是那麼無力。

千岩萬轉路不定，迷花倚石忽已暝。

熊咆龍吟殷岩泉，栗深林兮驚層巅。

這幾句詩文，寫的是李太白夢中遊天姥山的場景，人的力量終究是渺小的，走來走去，依然是千言萬轉，依舊是迷花倚石。

到底該怎麼辦？也許陸放翁的詩句，能給戲曲伶人以靈感：山重水複疑無路，柳暗花明又一村。

既然改變不了電影，何妨融合他們。

1933年10月5日，第一部黑白有聲粵劇電影《白金龍》，在廣州上映。

參演演員，即是前文所述，紅極一時，每年拿6萬元分紅的粵劇名伶“大佬倌”薛覺先。

據統計，該片制作成本約1500美元，在廣州放映利潤超過8萬美元，香港票房收入高達10萬港币。

而且，此片僅是南洋某煙草公司，制作的廣告片。

什麼叫專業？拍一部廣告，照樣賺到盆滿缽滿。

郭德綱先生大概說過如下意思，打破昆曲藝術的，永遠是内行，外行隻會讓唱昆曲的給打破。誠如斯言。

薛覺先，雄雞一唱天下白；從此後，萬方樂奏有于阗。

從1933年始，到1945年止，粵劇電影迎來繁盛時期，十來年的光景，有一百餘部作品先後問世。

而且，粵語電影的發展，對後來的香港電影，譬如黃飛鴻系列、武俠電影，甚至是周星馳的無厘頭，皆産生極為深遠的影響。

吐故納新

到今天為止，連周星馳都已老去，啟發他的粵劇電影，理所當然也早已式微。

粵劇電影的明天在哪裡？

《白蛇傳·情》似乎給了我們答案，用全新的配方，釀一壇醇厚的老酒。

《白蛇傳》的故事，在今天可謂人盡皆知，其影視作品亦不可枚舉。

《青蛇》講述情欲與勾引，趙雅芝傳遞優雅之美；《白蛇傳說》呈現視覺盛宴，動漫也不忘橫插一腳。

戲曲該如何表達這個故事呢？

劇作家将藝術的觸角，指向了“情”。

很久之前，天地之間生長着一對并蒂蓮，曆經磨難，一瓣投生作白蛇，另一瓣降落至人間。

白蛇放棄成仙的機會，隻為尋找另一瓣（半）。他們的故事從“鐘情”開始，結局則是一曲“未了之情”。

戲曲中的每個角色，都沒有做錯任何事情，因情而生，為情所困。

許仙一盞盞敬娘子雄黃酒，喝完了一杯，還有三杯，因為有深情。

白素貞明知不能飲，但許郎情真，怎能推搪，其中有柔情。

法海本可将白娘子鎮壓，他内心踟蹰，準備“上呈佛祖，再行處置”，鐵石之軀亦然會傷情。

情由劇中演員所發，情亦可感動看劇的觀衆。

白娘子身懷六甲，白衣飒飒，舞動長袖，左推，右擋，前踢，後趟。

她打鬥的愈用力，觀衆看的愈揪心，有淚目的感覺。

坦率地說，白娘子輕舞的水袖，既是對敵人的反擊，也是粵劇電影對現在市場的回應。

既美麗，且具韌性，更有力量，天下之至柔，馳騁天下之至堅。

如今的電影市場，被類似于《速度與激情》和《複仇者聯盟》所包圍。

中國傳統戲劇演員，用清麗的嗓音，告訴你何謂“激情”。

中國傳統戲劇演員，用舞動如風的水袖，告訴你該如何“複仇”。

參考資料：

1，羅敏：《論粵劇電影對粵劇發展的影響》

2，林銘豪：《戲影交融：戲劇電影的革新與發展》

3，安志強：《藝術創作的觸角——看粵劇<白蛇傳·情>》

4，央視梨園周刊：《采訪<白蛇傳·情>主演曾小敏老師》

-作者-

老談，always talk，老是誇誇其談之人，除此外，别無長處。

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