中央音樂學院副院長周海宏：“李雲迪先生，多練練琴。”

先上結論：

• 1：喜歡李雲迪和馬克西姆的人，是從他們顔值的非音樂審美角度遞進，進而喜歡他們的音樂，而非是因為音樂本身的内容而喜歡；這種現象叫審美主體的非審美需求。
• 2：郎朗已經成為了古典鋼琴圈中活着的李斯特，而李斯特是人類鋼琴技術的巅峰。在李斯特之後，人類鋼琴技術沒有絲毫進步。

人類對于藝術的好壞評價，并非是全部由藝術審美需求構成，而是由藝術審美需求和非藝術審美需求兩部分構成。前者是專業性，需要較高音樂素養。後者是大衆性，需要的是顔值、故事、性感等等能夠影響大衆觀賞性的因素。

音樂審美需求具體如下：

中央音樂學院副院長周海宏制作

這一張表，來自中央音樂學院副院長周海宏的《音樂審美心理認知》課程之中的音樂審美模塊，在具體的課程12.1。這将是我們來評價郎朗和李雲迪的核心标準，具體評價放在下文。先對非藝術審美進行簡單闡釋：女子十二樂坊；

一個以流行音樂形式來演奏中國音樂的樂團，在海外獲得了大舉成功。她們就是女子十二樂坊。女子十二樂坊的衆多成員，都是來自于中央音樂學院等一線音樂産地。

當女子十二樂坊在海外聲名鵲起，盆滿缽滿後，重新回到了母校中央音樂學院演出。結果這一場演出，大跌眼鏡，慘淡收場。

女子十二樂坊，這些曾經中央音樂學院的學生曆史上取得的所有成功，在這個院裡都起不到任何作用。

如果你看過他們的演出，就知道他們的表演核心并不在樂器和音樂上，而是不斷扭動的身體，增加曲線美的商業性演出。說白了就是好看，就是一群好看的美女為你載歌載舞。他們的專業性，處于一個吃老本的狀态。因為流行音樂對于樂器的使用範疇，實在是太過狹窄。何況十二個人。

這種非藝術因素，他們開拓得十分順暢，在海外大受歡迎。但是唯獨在中央音樂學院不行。這裡的學生和老師的審美，要聽的是專業性和藝術性。身子再曼妙，都比不上一個完美的音色聽覺來得愉悅。

從這個角度出發，能夠解釋部分李雲迪的水準：李雲迪的商業性中，他容貌的價值大于他鋼琴水準的價值。

也能部分解釋，為什麼大衆認為李雲迪很牛，而認為郎朗是個小醜。

因為他們不具備音樂審美的專業性，而被非專業性審美的大衆心理需求左右。這一切的源頭，都在于李雲迪比郎朗長得好。

如果說李雲迪是一個侏儒，長得歪瓜裂棗，便不會有這樣的争論。

按照上表，音樂審美分為三個大的分類層次：感知層次、審美層次、表現層次；

1：感知層次；音色聽覺的可接受度。欣賞古典鋼琴的門檻。

鋼琴音樂越流行化，接受度越高，内容越簡單，藝術性越低，話語權越少，越容易被時代遺忘。簡單說，感知層次造成了篩選、過濾音樂認知過低，無法感知音樂區别的人群。

從感知層次上講，寫《夢中的婚禮》的理查德，永遠不可能擁有音樂藝術話語權。不論他掙多少錢，都無法彌補他在感知層次上的缺憾。等三十年後，貝多芬、莫紮特、肖邦的受衆會越來越多，而理查德會被人遺忘。

中國有大量的音樂聽衆，會認為理查德是全世界最好的鋼琴家。但實際上，全世界沒有一個專業級鋼琴演奏者會認為理查德和他們是同行。

說一個簡單的認知性區别：流行音樂的聽衆耳中，隻聽得出doremi。而古典鋼琴聽衆，知道一個八度有十二個音，而非doremi七個音。

感知層次是欣賞古典鋼琴的門檻。如果你是一個流行聽衆，接下去的知識，可能有點超綱。

2：審美層次；評判核心。

先來基本的美感要求：有序性；有序性分為：整體布局、基層組織、聲音品質；

聲音品質：

• 1：對不對；（鍵程時值）
• 2：準不準；（音高對不對，琴鍵有沒有按錯）
• 3：美不美；（音色勻不勻稱）
• 4：響不響；（音響程度，顆粒感）；

這四個維度，是一個專業級鋼琴師的入門能力。

郎朗：在上述四個維度之中，做到了一個令人發指的地步，鍵程時值、音響程度、音色三個維度幾乎拉滿，琴鍵的錯誤，在英國演出之中具有一個錯音；這是二十年來，數百場演唱之中唯一可查的錯音紀錄；

2015年10月晚，李雲迪在韓國首爾藝術中心音樂廳演出，在演奏《肖邦第一協奏曲》第一樂章時，李雲迪出現失誤，被迫停下來重新彈奏。

這樣一句媒體報道看似不輕不重的言語，實際上其中的錯誤遠比觀衆想象的大。

李雲迪是在第424小節彈串的譜，本來應該是一串上行音階，結果一下子跳到了448小節。簡單說，李雲迪忘記了24小節的鋪子。這指揮直接懵逼，整個樂隊都停了下來。因為這24小節調都不同，居然還會弄錯。李雲迪發現彈錯之後，一時緊張不知如何收場，後面都不知道如何接下去，最後居然又開始時光倒流到第325小節。回到一百節前。

李雲迪從325小節開始彈，指揮再次懵逼，因為李雲迪沒有交流。不得已，指揮叫停了演奏，從第385小節重新開始。

這樣的事故，和稀碎的臨場反應，和樂譜積累能力，對于一個鋼琴演奏家而言，幾乎是說名譽掃地四個字都不足為過。而李雲迪的應對，再度讓他直接跌出國際能力的鋼琴演奏家。

其實李雲迪錯音的次數，就在韓國首爾的前三點，就錯了三次。

二十年錯一回 VS 忘譜，中斷演出，重新開始。

在鋼琴演奏家的基本能力聲音品質上郎朗就足以吊打李雲迪。

李雲迪的問題在于什麼？在于練得太少。這種基本的聲音品質，是需要良好的音樂練琴習慣才能得以維持。如果一天不練琴，就會生疏。三天不練琴，就會出錯。

李雲迪，不具備國際鋼琴演奏家的能力。自從首爾出事後，他的國外演出大大減少。反而是在國内，憑借着他的顔值開始大量商業活動。因為還吃這一套。

鋼琴結構基層組織針對的是，空間感衍生度，包含了縱向的空間衍生和平行感的縱向排列。

說得有點邪乎，其實很簡單。他其實是基礎聲音品質的衍生。

縱向空間感對應着鋼琴音色的顆粒度。橫向的空間感對應着音色的勻稱度；但是比音色品質要更細膩。

顆粒度主要體現在高音區。比如郎朗在《鐘》之中的高音區力度指法。而音色的顆粒度對應着鍵程長短、踏闆力度、擊打速度。

這裡涉及部分技巧性：延音長短對于力度的控制；

指甲蓋和指肚的敲擊琴鍵不同，對應着基層組織的控制。指甲蓋的力度和指肚的肉感延音，在零點幾秒之間，擁有對基層組織的能力表達。

整體布局：布局不是目的，豐富度和張力提供的内容度才是目的。音樂的布局能力，體現在銜接和區别能力。

郎朗 VS 李雲迪；

以《鐘》為例，當音樂的力量感出現時，那麼他的銜接和内容度必定要比柔化聽覺做出更多的可控方式。而他的柔化張力界限阈值，也遠遠大于他人。

鋼琴家的音樂張力等于歌手的音域。我C3-C6的音域，你C3-G4的音域怎麼比？我可以選擇用不用G4，但是你隻有G4。

單純論郎朗的《鐘》最後一段，和李雲迪的最後一段。将兩人的演奏畫面遮住，單純去傾聽兩人的音頻。

去思考為什麼郎朗的張力感會強、為什麼單單聽音頻，你就能從音樂之中感受到郎朗在瘋狂搖頭、瘋狂跺腳的畫面感。而李雲迪則是在滿頭大汗，好像一個拘謹的學生。

這是一個很難得的演奏家上限天花闆。也是李雲迪和郎朗的本質性區别。

表現層次，是要求演奏家将音樂化作為一個表演欣賞性的視覺效果轉變。鋼琴本身是不具備表現層次的，因為他隻是一個發音的死物。

但是演奏家擁有表現能力，他彈鋼琴時的一舉一動都是這種表現層次的闡釋。一個藝術家能擁有自己的風格，那将是天下最幸運的事情。恰巧，郎朗擁有。

不論是搖頭晃腦，還是跺腳浮誇，這就是郎朗的風格，他從小這樣。他的風格将音樂的表現層次，完美視覺化。

你再怎麼排斥郎朗的浮誇，但是你不可否認的是，他投入的令人興奮。這種對于音樂演奏本身的喜悅度和表演欲，才是郎朗的最大能力。

1. 音程跳脫俏皮時，郎朗做鬼臉；
2. 音程嚴肅緊張時，郎朗緊繃神情；
3. 音響加大時，郎朗力度加大，身體開始搖擺；
4. 音響減小時，郎朗蜷縮身體，開始表達小心翼翼。

這就是最好的音樂表達層次。将音樂的表達，通過自己的方式進行傳遞，進而彌補音樂的虛無化、主觀化，進而轉變為共性的客觀化欣賞，這是每一個能在鋼琴史留名的鋼琴演奏家的必備能力。

李雲迪，不曾擁有。

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