你學會了嗎？
觀看攝影大師的作品，好像和我們想象得不太一樣。
沒有精緻的畫面，沒有巧妙的構圖，那為什麼大師可以被稱為大師呢？
今天，館長就來帶大家探索一下攝影大師的奧秘。
肖爾的照片經常會被認為是“随便拍的”，他的作品《美國表面》（American Surfaces）展出時，當時的觀衆大都對其作品無感。
因為照片中經常會出現大量元素和平凡的場景，既不精巧，有時還缺少視覺中心點。
是啊，他的照片和我們平時随手拍一張雜亂的照片有什麼區别呢？
區别就在于随意，但不完全随意。
肖爾更願意用結構來解釋自己的照片，“一張沒有結構的照片恰似一句沒有語法的句子——效果自然讓人難以理解，甚至是不可想象的了。”
他拍攝時會将畫面中的事物精心排列，營造秩序感，從而讓照片具有結構。
比較傳統的單點透視方法大多是斜線向地平線方向逐漸消失，或者斜線從照片的一角進入，又或者有個突出的小前景從照片一邊插進來，充當視覺引導線。
但如果拍攝場景沒有延伸的街道、電線杆和人行道，僅僅是一片平面的土地，還能描繪空間感嗎？
肖爾可以。
他的的照片正有這種魔力，讓你有一種現場感，細節豐富，觀看的人的視線能在更廣的區域内遊走，十分耐看。
他還提出了「心理圖像」的概念，認為觀看外部世界的時候，腦海中形成心理圖像，看照片的時候同樣有心理圖像。
如果一張照片能讓大腦形成确定的三維圖像，那意味着雙眼聚焦，好像朝更遠處去看。
而三維的觀看感受正是肖爾追求的目标
廢片也能成為經典
看到川内輪子的作品，大家可能會疑惑，我的沒對上焦、構圖傾斜竟然和大師如出一轍？
川内倫子的作品中有大量的模糊過曝傾斜，這也幾乎成了她的個人特色。
實際上這并不是攝影師技術欠佳，而是有意為之。
在《花火》中，川内倫子使用膠片長曝光，産生了明亮炫目的觀感，記錄下的煙花顯然不同于商業攝影裡清晰完美的煙火形态。
煙花綻放開來在底片上留下的光痕，觀看煙花的人因行動而被記錄下的重影，車水馬龍留下的一道道光軌，非常直接的讓我們感受到一段時間的流逝。
花火
Utatane意為假寐，生活中的細小瞬間暧昧地留存在記憶中，展示了夢境與現實之間的模糊界限。
畫冊對頁照片之間的聯系巧妙又有一種呼吸感。
Utatane
Illuminance
Cui Cui
傾斜、過曝、失焦反而能為作品增添吸引力，是因為它本質上是服務于川内倫子的表達的。
Ametsuchi
murmuration
在攝影中，經常會使用框架增加畫面的層次感。
李·弗裡德蘭德别出心裁地用車窗、倒車鏡當框架将景物“規整”起來。
在America by Car系列中，李·弗裡德蘭德駕駛着租來的普通汽車在全美大部分地區旅行拍照。
把側視鏡、後視鏡、擋風玻璃和側窗當成取景框，将汽車與車外的景觀結合構成畫面。
以上這組照片曾在《新紀實》中展出。
作為新一代紀實攝影師的一員，李·弗裡德蘭德重新定義了紀實攝影的方法和美學。
他不先入為主地預設任何社會或政治目的，隻是把攝影當成觀察世界的一種手段。
汽車和景觀在畫面中的占比較為平衡。
他還首先提出了 「社會景觀」的概念，主要是指景觀中具有文化内涵的社會性産物，比如建築、路标等。
在這個作品中，他變成漫遊者，生動記錄了美國的社會景觀。
薇薇安·邁爾生前是一名保姆，在她去世後，她的10萬張的底片和大約3000張已沖洗的照片才被發現，被稱為最神秘的攝影師。
薇薇安可以說是一個“自拍狂人”了，作品中有大量的自拍照。
說到自拍，我們現在随時随地都可以拿起手機自拍，但是這位攝影師是如何讓自拍成為經典的呢？
薇薇安·邁爾的自拍以反射和影子為主，并不像我們使用前置攝像頭再加個45°俯視巴掌臉視角的自拍。
在她的照片中，經常使用反射與透射結合或者多重反射，畫面變得複雜微妙又有點捉摸不透。
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這組自拍照是一場與自我的對話，是持續了幾十年的對“自我”的觀察與認知。
日常風景是安村崇一貫的拍攝對象。
在他的攝影集《日常性》中，橘子、訂書機、調味品、水壺都是我們在生活中的事物。
為什麼要選擇這些生活中随處可見的事物呢？
安村崇在采訪中說：他并不是想把日常生活變成作品，而是想啟發對于日常的思考。
他的作品通過用不尋常的視角觀看日常之物，照片營造了一種陌生感。
這種熟悉但又陌生的感覺讓人反思：我們真的了解近在咫尺的日常生活嗎？
此外，這些角落裡的照片實際上是用大畫幅相機拍出來的。
大畫幅相機不方便移動，所以這些照片顯得更加冷靜，帶有審視的意味。
羅伯特·弗蘭克被稱為美國快照攝影的教父，甚至改變了世界攝影史的走向。
他的代表作《美國人》也在攝影史上有舉足輕重的地位。
《美國人》從2.7萬張底片裡挑選出83張照片編排而成。也就是說，平均每325張照片裡隻選出一張。
但是這些照片的拍攝對象并沒有什麼美感，視角、構圖也很随意，還有很多模糊，那麼這部作品為什麼會地位如此高呢？
或者說，以它為代表的快照攝影憑什麼也能成為經典呢？
所謂快照，就是快速抓捕瞬間，可能沒有精緻的畫面，但具有瞬時性。
《美國人》是當時美國社會的縮影。
從美國表面的繁榮到繁榮下的貧窮與絕望，記錄了美國社會的種族歧視、階級矛盾、貧富差距種種問題。
這些照片雖然不符合傳統美，但每一張都有豐富的内涵。
弗蘭克還挑戰了當時的決定性瞬間理念等傳統攝影觀念，實踐了快照美學，是極為開創性的舉動。
加裡·維諾格蘭德是一名街頭攝影師，他喜歡用用廣角鏡頭，從眼平角度拍攝。
畫面中的人總是處在中心位置，水平線卻往往是歪的，構圖顯得随意而無規律。
在他的照片裡，商人，女運動員，著名演員，嬉皮士，政客，士兵和路人都受到了關注。
可以說定義了20世紀60年代早期的美國：那個矛盾、動蕩和激情的年代。
雖然是快速拍攝，但加裡拍攝的那刻一定會看取景器。
而且就在按快門前，他會微調角度位置再聚焦，精準，快速，盡在掌控。
寵物攝影的風格可能大多是這樣的：
而大師之所以是大師，當然還是要用作品說話。
蒂芬·肖爾的《Pet Pictures》記錄了他飼養在家的寵物，照片充滿了對他生活在一起的“家人”的愛。
肖爾《pet pictures》
荒木經惟同樣也是一位“愛寵拍攝達人”。
他的攝影集《愛貓奇洛》全書收錄132幅小貓奇洛的照片，配上荒木手書的随筆，記錄他與陽子、奇洛共同生活的日常點滴。
荒木經惟甚至準備了拍攝奇洛的專用相機。
這些瑣碎、平實的文字與相片呈現了這位攝影大師對愛貓、亡妻以及往昔生活的愛與追思。
風格不同于我們平常看到的“貓片”：可愛、萌，還展現了奇洛獸性的一面。
頗具荒木經緯的個人特色，也同樣表現出了他和貓之間的深厚情感。
他把奇洛當成自己家的一員看待，貓完全融入了他們的生活。
“現在是媽媽的烹饪課時間，好好觀摩學習。
奇洛，啥時候給爸爸做頓飯喵？”
荒木經惟《愛貓奇洛》
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