曆史上許多藝術家都癡迷于大自然的色彩。在欣賞他們的傑作時，我們可以發現他們強烈的激情、難以掩飾的情感以及對色彩力量的堅定信念。在制作作品集的時候可以使用哪些自然的色彩圖案來建立聯系？為了獲得靈感一起和範兒姐探究一下這4位頂級大師的作品吧~

01

克勞德·莫奈：和諧、相似的色彩

克勞德·莫奈是最著名的印象派藝術家之一。大約在 1860 年代，他和一群年輕藝術家決定以一種簡單而直觀的方式描繪他們所看到的、所想的和所感受到的。這是與他們的現實主義前輩的巨大突破。克勞德·莫奈（Claude Monet）和他的同行藝術家對繪畫風景和當代生活更感興趣，而不是描繪曆史和神話場景。

▲克勞德·莫奈的《睡蓮》（1915 年）

如果我們仔細觀察莫奈的畫作，我們可以觀察到他對描繪自然和捕捉自然光轉瞬即逝的效果。他作品的調色闆往往柔和而明亮，給觀衆帶來更親密的感覺。

自然界中經常發現類似的配色方案，它們既和諧又悅目。如果我們想在我們設計的界面中傳達一種平靜、溫和的感覺，克勞德·莫奈的作品可能是一個尋找靈感的好地方。

▲克勞德·莫奈的《睡蓮與日本橋》（1897-99）

同時，他經常使用類比色來描繪自然風光。在下面這幅創作于 1908 年的“睡蓮”畫中，我們可以通過柔和流暢的藍色和綠色，以及奶油色和一點粉紅色來感受大自然的美。類似顔色之間的平滑過渡營造出一種溫柔和平靜的感覺。

▲克勞德·莫奈的《睡蓮》（1908 年）

▲将莫奈畫作中的兩個調色闆應用到 iOS 日曆應用程序中

02

梵高：對互補色的癡迷

作為後印象派的先驅之一，文森特·梵高以大膽運用色彩而著稱。在他幾乎所有的畫作中，他都使用了不同色調、色調和深淺的“黃色”和“藍色”，因為這兩種顔色在自然界中最常出現，它們給他帶來了童年和荷蘭的回憶。

使用互補色搭配是創造愉悅體驗和喚起人們情感的可靠方式。在決定我們想要使用的原色對之前，我們需要知道我們想要從用戶那裡引起什麼樣的情緒。此外，使用暖色和冷色的組合可以幫助我們設計的界面增加“視覺深度”。

▲梵高的“通往塔拉斯孔路上的畫家”（1888 年）

黃色和藍色——一對經典的互補色，賦予梵高藝術深沉的情感：

“天空的穹頂有着非凡的藍色；陽光的顔色是淡淡的硫磺色，

甜美而迷人，就像維米爾或代爾夫特畫作中天藍色和黃色的結合。”——梵高寫給弟弟提奧的。

如果我們進一步分析梵高的作品，我們可以看到他是如何利用互補色和色輪的力量來提升同時對比的視覺效果的。

▲梵高的“烏鴉的麥田”（1890 年）

▲将梵高畫作的調色闆應用到 iOS 日曆應用程序

以下面這幅畫“阿爾勒廣場廣場上的咖啡館露台”（1888 年）為例。與莫奈總是在畫作的各個角度都達到和諧平靜不同，梵高希望觀者的視線圍繞畫作移動，不僅僅是通過構圖，而是通過互補色的使用。

在這幅畫的最右側，我們可以看到強烈飽和的橙色緊挨着純法國群青，它會産生閃閃發光的效果，使傍晚的窗戶發出光芒。同時，梵高使用了暖色和冷色的組合，給畫面帶來了更多的“視覺深度”——冷色退入背景，而暖色則出現。

▲梵高的“阿爾勒論壇廣場上的咖啡廳露台”（1888 年）

03

海倫·弗蘭肯塔勒：色彩的波動

海倫·弗蘭肯塔勒 (Helen Frankenthaler) 是 1970 年代新一代抽象繪畫的先驅之一，現在被稱為“色域”運動。Frankenthaler 一直在探索不同的調色闆，她對色彩的使用在她的整個職業生涯中不斷發展。

就像曆史上許多其他偉大的藝術家一樣，弗蘭肯塔勒使用自然靈感的色彩來描繪自然。用她的話來說，她經常“從馬薩諸塞州普羅溫斯敦的獨特風景中”獲得靈感。然而，她并不是簡單地捕捉風景的輪廓，她更多地關注她對場景的情感反應，并将它們傾注到畫布上。事實上，正是她的自然自發感使她的作品如此引人注目。

▲海倫·弗蘭肯塔勒 (Helen Frankenthaler) 的“洪水”(1967)

讓我們以她最著名的作品之一“海灣”（1963）為例。這幅畫的标題已經揭示了主題。然而，作為觀衆，我們可能會一直疑惑：它指的是一個什麼樣的灣區？膨脹的無定形藍色物質是否代表了超越自身的東西？苔綠色是否表示遠處的東西？

通過使用調制色調來捕捉抽象形式，弗蘭肯塔勒不僅以創新的抽象形式捕捉自然，還創造了廣闊的想象空間。

▲海倫弗蘭肯塔勒的“海灣”（1963）

Helen Frankenthaler 使用的自然、調制色調——一些媒體也使用術語“浸泡染色”技術，創造出空靈但飽和的組合，同時吸引人、柔軟和大膽。即使五年過去了，Frankenthaler 使用的調色闆仍然現代而令人耳目一新。如果我們想用波浪、抽象的圖案來激發用戶的情感和想象力，弗蘭肯塔勒的作品就是一個我們總能從中獲得靈感的“色彩庫”。

▲将 Frankenthaler 繪畫中的調色闆應用到 iOS 日曆應用程序

04

Georgia O'Keeffe：玩轉各種顔色的亮度

喬治亞·奧基夫 (Georgia O'Keeffe) 可能是最著名的以放大花朵為重點的畫作。她在畫作中使用的強烈、充滿活力的第三色彩方案營造出一種活力和活力的感覺。

不過，我也對奧基夫的山水畫很感興趣。在這些畫中，我們可以看到她在很大程度上受到了她的老師亞瑟·韋斯利·道的影響，他是日本藝術的倡導者——專注于三個構圖原則：線條、色彩和濃淡（一種涉及戲劇和布局的日本設計理念）明暗元素。

▲Georgia O'Keeffe 的“音樂，粉紅色和藍色，№2”（1918 年）

在《喬治湖（原倒影海景）》（1922年）這幅畫中，我們可以看到奧基菲是如何以青藍色為底線，并在其中發揮了廣泛的亮度。此外，她掌握了“深色”和“亮色”的使用，這兩種顔色在畫布中間飛馳。

在畫作“喬治湖倒影”（1921-1922）中也是如此。如果沒有在畫布中間添加黑白，這幅畫也會有同樣的光彩強度和平衡。

▲Georgia O'Keeffe 的“Lake George（原名 Reflection Seascape）”

值得一提的是，奧基夫用完全不同的方法描繪同一主題（喬治湖）非常有創意和大膽。這兩幅畫的主體形狀并沒有太大的不同，然而，因為奧基夫運用了截然不同的調色闆，這幅畫給我們帶來了不同的情緒：第一幅畫傳達了一種平靜的感覺；第二幅畫使用紅色和綠色的色調來表達力量，而類似的顔色（紅色對紫色，藍色對綠色）減少了張力。

▲Georgia O'Keeffe 的“Lake George Reflection”（1921-1922）

顔色有助于講述一個故事，即使我們設計相同的主題/主題，我們也可以使用不同的調色闆來喚起觀衆的不同情緒。此外，在設計可視化時，彩虹色可能不是一個好的選擇，因為人眼不擅長并排檢測不同色調的邊緣，這時我們可以玩單色範圍内的亮度。看看她的山水畫，你是否也看到山的形狀與我們在數據可視化中經常使用的面積圖相似？

▲O'keeffe 的畫作（Sun Water Maine，1922 年）

▲将 O'keeffe 的畫作中的調色闆應用到 iOS 日曆應用程序中

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