2005年，央視的《電影傳奇》欄目邀請了南斯拉夫的老牌影星巴塔，制作了一期“經典回顧”的專題。

這位憑借《瓦爾特保衛薩拉熱窩》《橋》等經典影片為人熟知的演員，曾因飾演的“戰神”瓦爾特，成為在中國最火的外國明星。

時過境遷，此時的巴塔已經年過70，白發蒼蒼的他感慨着往事，也抒發着對自己國家現狀的憂慮。

果然在一年後，黑山共和國宣布獨立，原本繼承南斯拉夫體系的“塞黑”徹底解體，成為永遠的曆史。

幾十年裡，蘇聯、捷克斯洛伐克等國家，也都遭遇過類似的命運。

這些國家，雖然現在已不在了，但它們留下了許多享譽世界的經典電影，至今仍為人津津樂道。

今天，皮哥就與大家一起聊聊，那些來自蘇聯、南斯拉夫等消失國家的11部經典電影及幕後故事。

這些電影，有不少曾引進中國，風靡一時，成為了我們一代人的美好回憶。

下面，我們就先從蘇聯這個國家說起，看看這11部電影，各自還有那些至今令人難忘的“名場面”——

第一部：《列甯在1918》

可惜，男主角英年早逝，一段芭蕾舞戲，抓住了無數中國觀衆眼球

這部拍攝于1938年的電影，雖年代久遠，但影響力至今仍未消散。

比如那句“面包會有的，牛奶也會有的”經典台詞，正是出自本片。

影片以十月革命之後的蘇聯為背景，講述在列甯領導下，蘇聯人民戰勝饑荒和敵對勢力，最終取得了革命的勝利。

片中的列甯既有領袖風采，又不失幽默和可愛的煙火氣，這一點其實對後來中國主旋律電影裡如何塑造領袖人物，有很大的啟發。

而飾演列甯的演員史楚金由于形神兼備的扮相，也被視為最貼近列甯本人的特型演員。

連列甯的夫人看到他在片中的表演後，都連連驚歎“太像了”，完全做到了以假亂真的程度。

不幸的是在拍完電影後沒多久，史楚金因為勞累過度染上重病，兩年後去世。

《列甯在1918》在50年代引進中國後，在此後20多年的時間反複播映，影響了幾代觀衆。

特别是片中列甯在劇院看芭蕾表演，敵人準備暗中刺殺列甯的這場戲，直到今天仍被老一代觀衆津津樂道。

有意思的是，觀衆并不是被緊張的情節，而是被作為背景的芭蕾舞演員所吸引。

身着芭蕾舞裙的女演員們，在舞台上翩翩起舞，很多觀衆都是頭一次見到如此“大尺度”的場景，受到了很大的精神震撼。

以至于不少人後來多次去看這部電影，隻為多看幾眼不到兩分鐘的“芭蕾舞”。

第二部：《士兵之歌》

被評為蘇聯電影中的“異類”，看到最後“心痛”

1959年，電影《士兵之歌》入圍戛納電影節，也讓導演丘赫萊依享譽國際。

母親站在似乎沒有盡頭的小路上，等待戰場上的兒子歸來，卻不知道兒子已經不在人世······

每次看到《士兵之歌》的開場，再配上舒緩而憂傷的伴奏，都讓人感覺無比揪心。

作為導演丘赫萊依的代表作，《士兵之歌》在當時蘇聯的戰争片裡絕對是一部“異類”。

當時蘇聯的戰争片，大多都是氣勢恢宏的大制作，講究故事的史詩氣質，以及戰争場面的波瀾壯闊。

而《士兵之歌》卻反其道而行之，從一個普通士兵阿廖沙的角度展現他的所見所聞，戰場反而成了故事的背景闆。

心愛的姑娘，溫柔的母親，阿廖沙所期待的浪漫美好的未來，都在槍炮聲裡灰飛煙滅。

如果不是因為戰争，阿廖沙會和母親平靜地生活，會和心愛的女孩結婚，平淡而幸福地度過一生。

正是因為這樣的惋惜，讓觀衆對這個男孩的遭遇感到心痛，從而實現了影片“反對戰争”的主題傳達。

在那個年代能有這樣的反戰意識，可以說是非常難得的。

如今這部影片在評分網站仍保持着9.1的高分，去年北影節放映的時候也是座無虛席，可見影片在六十多年後仍能感染着當今的觀衆。

第三部：《伊萬的童年》

蘇聯大師“最沒信心”的作品，竟意外成就了中國《小兵張嘎》的拍攝

拍攝于1962年的《伊萬的童年》，是蘇聯電影大師塔可夫斯基早年的一部作品。

拍這部電影的時候，塔可夫斯基正陷入深深的自我懷疑：他覺得自己可能不是拍電影的那塊料。

為了測試自己到底幾斤幾兩，塔可夫斯基拍了這部戰争題材的黑白電影。

出乎他意料的是，影片竟然在國際上得到很高的評價，還一舉拿下了威尼斯電影節的金獅獎。

聽起來有些凡爾賽，但這部電影确實給了塔可夫斯基很大信心，也讓國際影壇多了一位大師級的導演。

和《士兵之歌》相似，這部電影也是關于戰争對于一個普通孩子的傷害。

母親和姐姐在戰争中接連被害，伊萬幼小的心靈逐漸被仇恨占據，最後也死在了戰場上。

值得一提的是，這部電影的問世，也直接導緻一部家喻戶曉的中國電影的誕生。

在得知《伊萬的童年》獲獎的消息後，國内有關部門的領導坐不住了：咱不能光看着，也得拍一部優秀的兒童戰争電影！

就這樣，這個任務就交給了北影廠的導演崔嵬，崔嵬聯合另一位導演歐陽紅櫻，拍出了《小兵張嘎》這部經典之作。

可以看到，兩部電影雖然都是從孩子的角度展現戰争，但立意不同。

塔可夫斯基的這部電影，創作來源于自己童年時對戰争的恐懼，他親眼目睹過戰争中家破人亡的場面。

所以他在電影裡着重表現戰争的恐怖，對少不經事的孩子的身心傷害。

而《小兵張嘎》是展現戰争中普通人的英雄精神，頑劣的嘎子在戰争中收獲成長，是對英雄先烈的歌頌。

拍完本片後，塔可夫斯基又導演了《鏡子》《鄉愁》等享譽世界的經典，成為無數電影導演崇拜和模仿的對象。

可惜的是，70年代的老塔在國内遭受各種排斥和迫害，無奈他隻能移居海外，最終于1986年在瑞典去世。

第四部：《莫斯科不相信眼淚》

為找女主角，導演費盡腦汁，不久前，導演和妻子因“新冠疫情”前後離世

上世紀80年代，《莫斯科不相信眼淚》引進國内後火遍大江南北，時至今日影片還在央視電影頻道不斷重播。

簡單來講，影片所講述的就是“一個女性的奮鬥史”。

年輕的女工卡捷琳娜由于身份卑微，在懷孕之後又被所愛之人抛棄。

但卡捷琳娜堅持生下了女兒，之後又在朋友們的支持下辭去工作，經過十多年的不懈努力成為工廠的廠長。

事業成功的卡捷琳娜，在人到中年時再次收獲愛情，幾經坎坷最後走進了婚姻的殿堂。

時隔40多年，卡捷琳娜那句“人生，從40歲開始”的台詞，放到現在已經是妥妥的獨立女性宣言，可見本片在思想上的超前性。

影片不僅在票房上大獲成功，還獲得了當年奧斯卡最佳外語片獎，為正處于低迷的蘇聯電影注入了一針強心劑。

鮮為人知的是，飾演卡捷琳娜的女演員薇拉·阿蓮托娃，正是本片導演弗拉基米爾·門紹夫的妻子。

當初，門紹夫為了女主角的人選找了不少女演員試鏡，但最後不是導演沒看中就是對方拒絕出演。

無奈之下，門紹夫找來妻子阿蓮托娃飾演這一角色，沒想到夫妻的第一次合作就大獲成功，也讓阿蓮托娃成為蘇聯炙手可熱的女明星。

影片在蘇聯上映後引發轟動，連續放映長達數月，最終創下了9000萬人的觀影紀錄。

不幸的是，去年導演門紹夫因為感染新冠去世，今年年初阿蓮托娃也因新冠去世，《莫斯科不相信眼淚》自此成為一個永遠的回憶。

第五部：《辦公室的故事》

你說我幹巴巴的！不，您濕乎乎的······納瓦謝裡采夫同志

說起這部電影，不得不提到本片高超的譯制水準。

本片是喜劇大師梁贊諾夫的經典作品，講述了女上司與男下屬在啼笑皆非的矛盾沖突中，修成正果的愛情故事。

在皮哥看來，喜劇片其實是譯制片裡最難配音的。

要借助配音抖出外國電影中的“包袱”，把中國的觀衆逗笑，并不是件易事。

但兩位配音演員用強大的聲音塑造能力，讓觀衆隻是聽聲音，就能感受到一股撲面而來的蘇聯喜劇風。

小職員納瓦謝裡采夫是“小綿羊”，低眉順眼唯唯諾諾；女上司柳德米拉是“冷血動物”，為人嚴苛難以親近。

借助聲音的诠釋，男女主角之間唇槍舌劍的喜劇效果被展現得淋漓盡緻。

比如片中最經典的台詞，出自柳德米拉質問納瓦謝裡采夫的片段。

“你說我幹巴巴的！”

“不，您濕乎乎的······”

一方已經憤怒到無語，而另一方又假裝無辜，兩位配音演員對角色精準的情緒拿捏，促成了這段經典。

以至于後來一提起男主角，就知道原來是那個“濕乎乎的”納瓦謝裡采夫同志！

第六部：《兩個人的車站》

男女主角，小木屋重逢，沒有一句台詞，卻令人淚如雨下

這部影片同樣出自梁贊諾夫之手，1986年由長春電影廠引入國内後成為當年最受歡迎的譯制片之一。

和《辦公室的故事》相似，《兩個人的車站》仍是兩個中年男女的愛情故事，仍是看不順眼的歡喜冤家，隻不過是把身份換成了即将入獄的犯人和餐廳服務員。

因為錯過火車，男主角普拉東在火車站的餐廳與服務員薇拉相遇，兩人因為薇拉的服務不周結下梁子，之後在種種糾葛中擦出了愛情的火花······

不得不說梁贊諾夫導演的功力之高，硬是把這樣一個庸俗老套的愛情故事講得如此細膩動人。

首先是梁贊諾夫電影一貫出彩的台詞，從針鋒相對到暗生情愫，兩人之間的關系變化基本都是借助生動的台詞來展開的。

此外影片在細節的處理上也做足了功課，比如兩人在小木屋重逢的那場戲，一句台詞也沒有卻讓人潸然淚下。

兩人見面後的第一反應，都是愣在原地。

普拉東緊接着被食物嗆到大聲咳嗽，薇拉回過神來趕緊過去給他拍打背部。

舉手投足間的細節表現，足以勝過甜蜜的萬語千言。

不做作，不矯情，不脫離現實，國産喜劇片真的可以從梁贊諾夫的電影裡取取經。

第七部：《這裡的黎明靜悄悄》

喀秋莎還站在俊俏的岸上嗎？這部電影曾啟蒙了陸川的電影《可可西裡》

影片當年在國内上映時感動無數觀衆，特别是那首動人的《喀秋莎》至今還在傳唱。

和當時的很多人一樣，本片導演羅斯托茨基也參與過二戰，片中的不少戰鬥場景其實都是他的親身經曆。

故事一開始，五個女兵在軍營裡嬉鬧玩耍，沐浴在陽光中的她們充滿了青春浪漫的氣息。

但開始有多美好，到後面就有多殘忍。

随着女兵們踏上戰場，她們開始陷入到你死我活的戰鬥裡，一個個在戰争中死去。

比如回去送信的麗薩誤入沼澤，一點點被沼澤吞噬卻無人知曉的時候，讓人感覺到那種深入骨髓的絕望。

多年後，陸川也在他的電影《可可西裡》中使用了同樣的手法，讓人感受着無可奈何的殘酷和悲涼。

據導演所說，本片真實的人物原型本來是五個犧牲的男兵，但他在電影裡卻都換成了清一色的女兵。

在他看來，女孩的單純美好更能反襯出戰争的殘忍黑暗，讓觀衆更能體會到那種被戰争傷害的切身之痛。

2015年，俄羅斯又翻拍了這部戰争經典，但無論口碑還是票房都難以企及前作，國内引進後票房也不到1000萬。

第八部：《橋》

老朋友再見吧……1992年“波黑戰争”，導演走了

1977年引入國内的《橋》，可以說是所有60後的集體記憶。

其中那首用口琴伴奏的《啊！朋友再見！》，更是在影片上映後在大街小巷傳唱，至今仍廣為流傳。

整部電影主要圍繞着“護橋”和“炸橋”展開：以少校“老虎”為首的遊擊隊必須在七天内炸毀大橋，阻止德軍會和，由此發生的一系列驚心動魄的故事。

多年過去，片中的很多情節仍曆曆在目，特别是遊擊隊員班比諾的死，每次看都讓人心碎。

班比諾奮力想逃離敵人的追擊，一次又一次掙紮着爬起來，最後仍被敵人射殺在泥坑裡。

這個陽光開朗的男孩，臨死前眼神裡的絕望和恐懼，讓人久久難以忘記。

據說，本片的導演克爾瓦瓦茨因為好萊塢電影的影響，在手法上借鑒了不少類型片講故事的方法，讓整個故事更加曲折動人。

除此之外，導演還拍攝了大量這類遊擊隊電影，比如同樣深受中國觀衆喜歡的《瓦爾特保衛薩拉熱窩》也是出于克爾瓦瓦茨之手。

誰也想不到，這位在南斯拉夫享譽無數的導演，會死于1992年的波黑戰争。

當時他在炮火中被圍困在城中三個月，最終因突發心髒病搶救不及時，猝然離世。

第九部：《瓦爾特保衛薩拉熱窩》

瓦爾特保衛了薩拉熱窩，但終究保衛不了“南斯拉夫”

南斯拉夫在中國最火的兩部電影，一部是《橋》，另一部就是《瓦爾特保衛薩拉熱窩》。

雖然《薩拉熱窩》拍攝時間比《橋》要晚，但早在1974年就引入了國内。

同樣是以二戰為背景，本片以瓦爾特領導的地下組織與德國納粹的黨衛軍之間的對抗，将觀衆帶入那個驚心動魄的戰争時代。

諜戰、追殺、槍戰，間諜與反間諜的懸念與雙方激烈的戰鬥，都讓這部電影充滿傳奇色彩。

在電影拍攝一度陷入停滞的70年代，這樣一部大制作的外國電影，對于國内觀衆有着非同凡響的吸引力。

影片上映後立馬火爆全國各地，大街小巷都在讨論着這部電影，孩子們也都争相模仿電影裡的人物和情節。

特别是瓦爾特這個英雄人物，神出鬼沒身手非凡，再加上英俊潇灑的形象，成為無數觀衆崇拜的偶像。

在影片引進後不久，飾演瓦爾特的演員巴塔被邀請到中國訪問，所到之處都擠滿電影的粉絲，都狂熱地呼喊着“瓦爾特” 的名字。

後來巴塔在采訪時說，自己在中國受歡迎的程度遠高于在自己國家，相比起來自己更像一個“中國明星”。

如今南斯拉夫早已解體成為曆史，“瓦爾特”巴塔也在2016年因病離世。

就像一位影迷說的：瓦爾特保衛了薩拉熱窩，但終究保衛不了南斯拉夫。

第十部：《地下》

一部至今都難以逾越的“史詩神作”

在所有藝術電影的影迷眼裡，《地下》是一部難以逾越的“史詩神作”。

說它是史詩，是因為這部電影通過三個小人物，講述了南斯拉夫半個世紀的曆史變遷，前不久央視熱播的《人世間》正是屬于此類；

說它是神作，是因為故事裡充滿了各種超現實的“魔幻感”：大街上飛奔的動物、會飛的新娘、死後和妻子在水中重逢，聽起來就特别瘋狂。

在皮哥看來，整部電影就像一場熱鬧的馬戲團表演，在荒腔走闆的狂歡之中，影射的是南斯拉夫的曆史和現實。

本片的導演庫斯圖裡卡早年是演員出身，在《瓦爾特保衛薩拉熱窩》裡，他還跑過龍套出演一名遊擊隊員。

之後他就轉入導演行當，并以《流浪者之歌》《爸爸去出差》等片在世界打響名聲，而《地下》正是他導演生涯的巅峰。

拍這部電影時，南斯拉夫正在内戰的混亂中，整個國家處于崩潰的邊緣。

正是在這種“國之将亡”的哀歎聲中，庫斯圖裡卡導演把自己的憤怒、悲傷都放到了電影裡，用一種戲谑的态度批判戰争，反思曆史。

眼睜睜看着熱愛的祖國滅亡，庫斯圖裡卡在《地下》中的狂歡，其實是隐藏眼淚和絕望的假象罷了。

時至今日，南斯拉夫早已從地圖上消失，再來看這部電影就更能感覺到一種無可奈何的悲哀。

第十一部：《雛菊》

被官方列入黑名單的電影，世界上最難懂的電影之一

拍攝于1966年的《雛菊》也是一部相當前衛的電影。

得益于捷克斯洛伐克的政策，電影的創作環境比較寬松，由此掀起了轟轟烈烈的捷克新浪潮運動。

而這部由女導演希蒂洛娃拍攝的影片，正是新浪潮的一部代表作品。

整個電影的故事情節聽起來特别怪誕甚至無厘頭：兩個叫瑪麗的女孩，一直在不斷搞破壞：大鬧宴會，暴飲暴食，砸爛一切，隻是為了尋找快樂。

到後來，兩個女孩甚至拿着剪刀剪碎對方的身體，隻剩下兩顆頭顱在空中飄動，荒誕中又有幾分恐怖。

直到影片最後，遭受戰争的城市一片荒涼破敗的景象，似乎讓人明白，這部電影似乎在控訴戰争給人們帶來的痛苦。

而兩個女孩的一切行為，隻是通過一種極端的方式表達這種痛苦。

但由于形式過于大膽荒誕，影片不僅沒得到大衆的認可，還被列入官方的黑名單。

就在影片上映的第二天，官方就以“浪費食物罪”将本片禁映。

時至今日，本片早已解禁，但它的遭遇也讓人不得不思考，導演的自我表達和大衆審美之間，怎樣才能做到平衡？

以上盤點的這些影片，都曾在不同時期産生過很大反響，影響了一代又一代的電影觀衆。

幾十年過去，希望這些經典的老電影不會被埋沒，繼續在新的時代發揮着它們的價值！

文/皮皮電影編輯部：阿志

©原創丨文章著作權：皮皮電影（ppdianying）

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