為了8月21日下午的這場IMAX大師課，《1921》導演黃建新特地把劇組停了6個小時。攝影師曹郁從《1921》片場趕來，走路有點蹒跚，“拍攝時扭到了腰，有點跟不上入場音樂的節奏”，在上台時，他笑着調侃。

　　曹郁曾和陸川、王家衛、陳凱歌、管虎等導演合作，擔任《可可西裡》《南京！南京！》《無問西東》《擺渡人》《妖貓傳》《八佰》等影片的攝影指導。在他看來，攝影師最重要的是給電影帶來一種氣質，正如每個人身上的一件外衣。“能寫出這樣攝影闡述的攝影師很少”“确實不是每個攝影師都能把IMAX攝影機用到像我們這樣淋漓盡緻”，每一次曹郁的自誇，總能引起全場鼓掌。

　　白也詩無敵，飄然思不群。當IMAX中國首席執行官陳遠鵬宣布曹郁受邀成為IMAX中國首位常駐藝術家時，他捧着獎杯自豪又幽默地解釋，“I是我，MAX是最棒，這代表我最棒。”

　　它是一首詩

　　拍成一首視覺上的詩，是曹郁賦予《八佰》的獨特氣質，“5億投資的制作到底拍成什麼樣，每個人都等着我這句話，而這句話可能決定電影最終的成敗”。他寫給管虎的攝影闡述标題是“最黑的夜，最亮的光”，來自電影《巴别塔》的結尾字幕，而闡述的結尾部分就以“詩”為題。

　　為了找到這種氣質，曹郁參考了畢加索和蒙克的繪畫。一位演員身上的血包爆炸了，正好濺在鏡頭上，像驟然開出一朵紅色的花，這是難以安排的詩意美感，“要完成所有的高難度拍攝，需要技術、藝術、激情，再帶點運氣。”曹郁說。

　　一場水中死亡的鏡頭就來自于演員的臨時提議，“這個主意太動人了，我很喜歡演員消失在水裡的感覺，人漸漸退出畫面，一束光隐沒在黑暗裡，也許有人會說它邏輯上不成立，但是在視覺上是合理的，很有詩意。”一場水下刺殺的戲份也是他全片最喜歡的鏡頭之一，扭曲的人體，冰冷的刀鋒下化入河流的血液，配上迅疾而過的子彈，正是曹郁想要的那種現代派繪畫，殘酷但卻抽象，就像他繪制的一幅《格爾尼卡》。

　　這首詩，不隻是影片所傳達出的感覺，也在于它的“書寫”方式。“幾乎沒有分鏡，一部五個億投資的電影是即興拍下來的。”曹郁對這一點毫不諱言，從一場花絮裡可以看到，他在片場到處走動，是在現場找創作靈感。“管虎是個很棒的導演，他會在現場從主演到群演一層層地調度，這麼多演員一起協調演出，口令非常複雜。”

　　現場有幾百個炸點，一步錯，等一個個恢複起來需要三個小時，而一天沒有幾個三小時可以等。這種拍法讓人很緊張，但也很刺激，大家一起沉浸在詩情澎湃裡，成為詩的一部分。“拍電影這樣多帶勁啊”，曹郁感歎。

　　曹郁覺得，在這種狀态下，攝像機也要成為一個演員，它在參與表演，有着自己的情感表達，甚至要和演員即興互動，而不是一個記錄工具。

　　在片場，曹郁也像一個演員，會用抽煙、喝咖啡、聽音樂等方式去醞釀情緒，而一旦扛起攝像機，他會由着靈感的沖動恣意遊走，在鏡頭後揮灑自如。“現場有多個掌機，但所有演員都願意和我拍最重要的戲份。每個人的‘死’都是我拍的，他們看到我扛着IMAX攝影機站在面前時，會覺得自己可以安心地‘離去’，因為他們相信我可以抓住最動人的瞬間。”

　　燒“光”的一夜

　　曹郁很在意光。原本隻要一桌一椅的講座，已經被電腦擠掉大半個位置的桌面上還放了一盞台燈。他會特意提醒工作人員給自己“打光”，這樣人會顯得白一點。

　　在曹郁的“詩”裡，“光線”如同其中的文字，而用于書寫的“筆”就是IMAX攝影機。“如果你隻拍了美的光，就不是最棒的攝影師，拍了不美的光，就不是合格的攝影師，而我希望光線是有象征意味的。”

　　正如他攝影闡述的主題，“最黑的夜，最亮的光”，在電影中運用了大量的光與暗的對比。倉庫裡幾乎灰暗無光，而河對岸是一個發光體，就像人站在漆黑的屋子裡看到外面大太陽的感覺，但要模拟人眼的視覺效果，一般的攝影機動态範圍和清晰度難以兼得，而IMAX攝影機解決了這個問題。“IMAX攝影機全球隻有60多台，我們非常榮幸能夠分到兩台使用拍攝。”

　　據介紹，《八佰》是中國第一部完全用數字IMAX攝影機拍攝的影片，繼點映票房破2億元後，于8月21日正式上映。據燈塔專業版數據顯示，上映當天，全國票房複工後首破1億元，也是時隔221天全國單日票房再度破億。

　　IMAX攝影機鏡頭下，演員清晰得像從銀幕上走下來，更貼近人眼觀察世界的方式。影片中有一場潛到水下的戲，攝影師也在水中“怼着臉”拍，真正的近距離攝影而不是利用變焦，會讓觀衆感覺仿佛也一起置身水中。“我很喜歡《末代皇帝》的攝影師，他最早在電影中利用舞台調光來拍攝。”

　　照明彈的運用則可見曹郁對光的執着與瘋狂。為了營造出那種黑暗中最亮的光，映照影片中的“生與死”，曹郁向劇組提了“非分要求”，真的去定制了200顆照明彈，花了大約100萬元。在拍攝臨近末尾的一場“群手”戲時，曹郁讓所有人體會到了那種“燒錢”的感覺。大的一顆照明彈也隻能燃燒40秒，留給攝影師的時間很短，為了尋找心目中的最佳畫面，曹郁讓這些照明彈一顆一顆點着。制片人、執行制片人都坐在管虎後面，拿着記分牌，每放一顆，他們就記下大的還剩幾個，小的還剩幾個。當照明彈隻剩下4顆時，所有人都緊張起來。“我有點瘋了，盡管已經拍了無數畫面，但總覺得還不夠。一直拍到最後一顆照明彈點完，隻能這樣了，可還覺得滿腔激情無法表達，隻希望這一夜能一直拍下去。”

　　尊重塔底的人

　　曹郁最後分享的内容讓人沉思。“拍《南京！南京！》時，我第二次獲得金馬獎，當時我特别狂妄，好像自己不需要任何人，但現在回想起來太幼稚了，你沒有一個團隊是不可能的。”在曹郁看來，電影工業化并不在于使用了多少先進的機器設備，而在于電影攝制的金字塔結構中，那些位于底座和中間的人能否得到尊重。

　　在分享中，曹郁對着幕後照片一個個指出那些燈光師、第一掌機、第一焦點等工作人員的名字，但稍顯遺憾的是，有些人已經離開了這個工種。

　　有一次，曹郁在好萊塢碰到一位白發蒼蒼的焦點員，讓他感觸良深。“他一輩子都在跟焦點，把這個工作做到了極緻。好萊塢有很多這樣幹了一輩子的人，才能有穩定的高質量作品。而我們的焦點員的薪資迫使他們必須不斷升級到更高的工種才能得到尊重。導演、主創、制片人是塔尖上的人，他們即便再優秀，也隻能讓電影藝術化。什麼時候對助手給予真正的尊重，讓大家願意一輩子幹這個，中國電影才能真正實現工業化。”

　　電影剪完後，在看片室裡的曹郁禁不住贊歎，他看到了自己想要的詩意。“我很感謝所有工作人員，我是一個特别惡劣的孩子，常常因為覺得沒拍好瘋了一樣在現場破口大罵。當你肆無忌憚地釋放激情時，有人在背後替你承擔了一切，他們比我更有韌性和力量，支撐了我在攝影這個小金字塔尖上繼續往上走。當我們合在一起，才能産生最黑的夜和最亮的光。”

　　這堂攝影公開課“最黑的夜 最亮的光”由IMAX公司聯合壞兔子影業舉辦。

　　來源：上觀新聞

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